「光」吸引我們去觀看，光塑造了視覺、雕塑了自然。「造光」可以看成是一種塑造、造型或「照光」。藝術家使用個人獨特的表達去創作及塑造。
中國最早描繪光影的作品出現西元八世紀初的唐代畫家梁令瓚臨摹張僧繇《五星二十八宿神形圖》，作者用中國水墨的渲染法表現，而西方則直到十四世紀在喬托（Giotto）及其老師契馬布埃（Giovanni Cimabue）的繪畫中才開始出現明暗。直到印象派時期的藝術家因為科學的影響，開始對光的探索而到戶外寫生，看到在日光照耀下風景的變化與時間性，現今3C螢幕的人造光與自然界的光重疊交錯影響下，我們的日常視覺已大不相同。從日光到人造光、從客觀風景到主觀理解，光雕塑了眼前風景，也形塑了內在精神造景。除了眼前實景，更重要的是我們透過虛擬觀看他們。而在這之間繪畫捕捉這些漸變。
此展藝術家陳劭彥與洪郁喜從內心的世界出發，延伸出兩條不同探索的軸線 : 陳劭彥藉由各種不同媒材的嘗試與實驗，塑造出更多對於光的感受與拓寬，持續打開對於視覺的理解與人性的觀察；洪郁喜長期專注於水墨與跨媒材的創作，以空間思考虛擬構築及媒材呈現間的問題，近期開始嘗試紙材之外、具空間性的水墨創作型態，在創作語法和思維上仍圍繞當代水墨運行，因此結合一些基礎的low-tech的機械裝置，去表現錯視跟誤讀的視覺效果。
風景是劭彥創作的起點，從早期都市生活的建築至回到台東的在地風景。隨著場景持續變化，雖然畫面很少出現人物，卻總是能在畫面中看到一種人性，人活在裡面的感覺。作品基調雖是黑白，卻透露著溫度，超越表面的色彩，透出內在質地與精神。光與影的追逐，像是時間與記憶的延展，從中找尋一種很單純的人與自然的關係，更是與自己相處的關係，因此外觀的色彩並不是那麼重要，也沒有要指涉的對象。對他而言，更重要的是表層底下那更純粹的關係，光與影、善與惡、存在與消失、愛與恨、生長與毀滅等對立且共存的關係。
台東一直給予劭彥創作上很大的能量，即使他旅居在外，卻總是以此作為他的靈感來源。過去曾經以3D軟體製作動畫作品，在建模的步驟中，「線構」的模式影響了劭彥對觀看的思考及繪畫的方式。創作，對他而言是往內持續挖掘的過程。一張畫就像是一個容器，他將風景變成了肖像，畫面中常常只有一條路、一棵樹或一座山，他捕捉著每一個生動的表情、每一件作品的完成就像是安置自己的一部分靈魂。因為劭彥認為只要是我們長時間觀看的東西都有著我們身體與靈魂的一部分，我們將情感置入其中，也在其中了解人的狀態與如何面對自己。。
洪郁喜長期使用水墨這一媒材創作，自然面臨當代此一議題，隨著時代的演進，水墨創作的廣度，已經不侷限於紙本的表現，更多實驗性、技法及媒材從文化與概念上跳脫傳統定義的規範，因此表述方式不同，便避免不了面臨不完整的傳遞，與不準確的接收，切點不同、立場不同、知識背景不同便會有不同的觀點與理解，相較於其他媒材，水墨比其他藝術類型承擔更龐大的群體精神狀態，其中又經歷了分裂和異化，使得水墨具有多重的審美與生產文化體系，因此更適合作為表現誤讀語境。
此展中《TRANSVISION》系列，一件件的圖像皆由難以計數的單位（圓點）構成，如同中國水墨畫中的慣用筆觸—皴法，一種以反覆聚散、交織、堆積而成，強調物性肌理的造型元素；在色彩上亦是以灰階為主調，因此作品雖非使用水墨紙本，在創作語法和思維上仍圍繞當代水墨運行。一方面反映當代生活中無論是政治傾向、性別議題、世代差異等等二元對立鬥爭的無必要，一方面也邀請觀眾置身於作品之間，重新思考眼前所見之物的真實性。這系列作品藉由光的加成，使作品間反射，形成不同的圖像語言，也透過視點的流動性，使作品處於一種需透過「他者」反應自我、似無本我的狀態。
兩位藝術家於此展中透過對光的演繹，折射出對對象物的情感，內在與外在，主觀或客觀，錯視或誤讀等不同的視覺經驗，期冀給觀者帶來更多豐富的藝術體驗。
